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Les critères physiques en danse classique sont-ils trop élitistes? - partie 1

« L’étude de la danse classique n’est pas un simple passe-temps. Elle doit perpétuer et développer les grandes traditions académiques car elle ne peut être présentée sans aucune autre forme que sa pure forme académique. Elle exige plusieurs qualités : physiques et mentales, mais également un sens rythmique, musical et artistique. » Agrippina Iakovlevna Vaganova



Cette superbe définition de la danse classique démontre d’ores et déjà les nombreuses qualités qui doivent être maîtrisées par les danseurs professionnels. Je me suis dès lors demandé si cet art est réellement accessible à tous. Pourquoi la liste de critères physiques est-elle si longue ?


Dans un premier temps, découvrons le monde de la danse dans sa généralité; l’apparition de cette discipline, son développement dans le monde et quelques notions fondamentales qui permettront de justifier l’exigence du milieu en ce qui concerne les aptitudes physiques.

Ensuite, nous aborderons les principaux critères physiques recommandés pour la pratique professionnelle de la danse tels que la souplesse, l’en-dehors, le cou-de-pied, le poids… J’expliquerai les raisons pour lesquelles ces aptitudes sont requises, mais également les éventuelles répercussions de ces exigences sur la santé des danseurs. Nous pourrons nous rendre compte que très peu de danseurs rassemblent l’ensemble de ces critères et nous aborderons les solutions proposées à ces artistes.


Pour terminer, nous évoquerons la présence de l’élitisme dans la danse classique. La pratique de cet art ne se contente pas de la médiocrité, il est sans cesse à la recherche de la perfection, cela explique pourquoi tout le monde n’y est pas destiné. Pour être danseur classique, il faut une morphologie et une biométrie bien spécifiques.


1. La danse classique

Avant d’entrer dans le vif du sujet, il convient d’introduire quelques notions fondamentales de l’histoire de la danse classique et des piliers de cet art. Ces notions sont très importantes car elles sont à l’origine des exigences physiques.


1.1 L’histoire de la danse classique

Au XVe siècle, la danse classique est apparue en Italie. Grâce à Catherine de Médicis, la danse prend une place importante dans les bals et les fêtes. Le ballet se développe ensuite en France avec entre autres l’arrivée de costumes et de décors. Au XVIIe siècle, Louis XIV instaure deux académies royales destinées à la danse et à la musique. Suite à leur création, naîtra l’Opéra national de Paris. La danse classique va ensuite être codifiée et l’aspect artistique de la danse s’imposera, les danseurs voulant interpréter leur rôle comme au théâtre. La Russie hérite des connaissances et développe à son tour le ballet. Durant le XIXe siècle, l’apparition du tutu permettra de dévoiler les jambes des danseuses et ainsi d’admirer une technique plus rigoureuse. En 1832, les pointes sont créées et elles vont donc différencier la technique féminine et masculine. À cette période, on découvre en Russie les plus grands chorégraphes de ballet. Parmi eux, Marius Petipa, le créateur du « Lac des Cygnes », de « Casse-noisette », « Don Quichotte »… Dès le XXe siècle, un nouveau style de danse apparaît, le néo-classique. Celui-ci consiste à casser une règle de la danse classique (c’est-à-dire rupture de l’en-dehors, de la verticalité, du placement des bras...) Serge Diaghilev est le premier chorégraphe à introduire ce style. Actuellement, on demande que les danseurs soient polyvalents, ils doivent être capables de s’adapter aux chorégraphies classiques, néo-classiques, contemporaines…


1.2 Les grandes écoles

Après sa codification en France, la danse classique s’est ensuite développée différemment en fonction des pays. Il existe ainsi quatre grandes écoles en danse classique : la russe, la française, la danoise et l’italienne. Elles travaillent différemment en fonction de leurs spécificités. Les méthodes russe et française restent les plus connues. L’école russe Agrippina Vaganova installe en Russie un enseignement basé sur la coordination, l’endurance et la souplesse. Elle travaille différemment la musculature du dos pour permettre des levés de jambes avec plus d’amplitude. “Sans aucun doute, la méthode Vaganova aide le corps à trouver un équilibre entre la force et le poids, si celle-ci est bien enseignée » Slawomir Wozniak L’école française Suite à la codification des cinq positions par Pierre Beauchamps en 1700, la méthode française reste axée sur la précision du mouvement en travaillant sur l’utilisation des positions de base. L’école danoise Cette méthode donne beaucoup d’importance à la rapidité et à la précision d’exécution des mouvements. L’école danoise est aussi réputée pour la qualité de ses danseurs masculins car le fondateur de cette méthode, Auguste Bournonville, a décidé de donner aux danseurs autant d’importance qu’aux ballerines. L’école italienne Cette méthode, fondée par Enrico Cecchetti, a souvent développé la technique au détriment de l’élégance. La technique est développée à partir de la science du mouvement, l’anatomie.


1.3 Organisation d’une compagnie

À la plus haute place, on retrouve le maître de ballet. Il est le directeur de la compagnie et se charge donc des chorégraphies, des répétitions, de la distribution des rôles pour les représentations…

Au deuxième rang se trouvent les danseurs étoiles. C’est un titre suprême accordé aux meilleurs éléments de la compagnie. L’appellation « étoile » est spécifique de l’Opéra de Paris; ailleurs dans le monde on parlera plutôt de danseur principal ou soliste principal.

Ensuite, place aux premiers danseurs. Ces danseurs obtiennent régulièrement des rôles de solistes dans des spectacles et attendent leur nomination en tant qu’étoile.

Un échelon plus bas, on retrouve les sujets. Ceux-ci font partie du corps de ballet et sont occasionnellement solistes.

Les coryphées dansent dans le corps de ballet, c’est un groupe de danseurs en arrière-plan des danseurs principaux. Ils obtiennent très rarement des rôles de solistes, mais de plus en plus de chorégraphes créent des chorégraphies mettant d’autant plus en valeur ce corps de ballet.

Pour terminer, les quadrilles sont plutôt considérés comme des figurants qui cherchent à évoluer techniquement, artistiquement et à gagner en maturité ; les quadrilles étant les plus jeunes d’une compagnie.


1.4 Les fondamentaux

La danse classique est un art basé sur la verticalité, l’en-dehors et l’équilibre. La verticalité et l’en-dehors concernent le placement du corps, si ces deux qualités sont maîtrisées, on peut travailler sur l’équilibre. Le placement est la chose la plus importante en danse classique, sans celui-ci aucun mouvement ne peut être exécuté correctement. Ce placement comprend : la maîtrise de la tenue abdominale, les appuis du pied dans le sol, le positionnement du bassin et le maintien des jambes tendues… On reconnaît une chorégraphie de danse classique car elle est basée sur la croix tridimensionnelle, les mouvements occupant les axes de la longueur, largeur et profondeur.


1.5 Les pointes

Les pointes sont créées pour donner l’impression que les danseuses sont encore plus légères. Marie Taglioni est la première danseuse à danser un ballet sur pointes en 1832. Le modèle des pointes était très basique à l’époque et donc le travail très douloureux.

Désormais, le modèle a bien évolué ; les pointes sont conçues pour être plus solides et plus confortables. Malgré ces améliorations au niveau du confort des chaussons, la technique des pointes reste tout de même très douloureuse. Les problèmes les plus récurrents sont les ampoules, qui sont dues aux frottements de la peau contre le chausson. Ensuite, les problèmes d’ongles ; les danseuses souffrent régulièrement d’ongles incarnés et aussi de la formation d’hématomes sous les ongles qui vont engendrer la chute des ongles.



Source : https://travaux.indse.be/index.php/Les_crit%C3%A8res_physiques_en_danse_classique_sont-ils_trop_%C3%A9litistes%3F#:~:text=Les%20danseuses%20doivent%20%C3%AAtre%20minces,amplitude%20des%20lev%C3%A9s%20de%20jambe.

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