La question technique : les élèves en danse doivent-ils s'entraîner dans un style ou dans plusieurs?

Dans le monde du ballet d'aujourd'hui, les danseurs doivent être adaptables. L'époque où quelques grandes compagnies dansaient les classiques, tandis que d'autres se spécialisaient en contemporain est révolue depuis longtemps. Maintenant, tout le monde fait un peu de tout. "Vous devez être capable de performer différents styles comme vous changez de vestes", explique Parrish Maynard, membre du corps professoral de la San Francisco Ballet School. "En tant que professionnel, une minute vous danserez une chorégraphie de George Balanchine, la suivante une œuvre contemporaine de William Forsythe, puis une semaine plus tard le Lac des Cygnes."


Mais étudier une tonne de styles différents n'est pas toujours le meilleur moyen de développer la polyvalence. Alors que certains danseurs s'épanouissent dans l'approche multi-techniques, pour d'autres, il peut être déroutant d'aborder plusieurs méthodes différentes avant de développer une base solide dans un seul style. Alors, quel est le bon chemin pour vous ? Voici les conseils des meilleurs professeurs et professionnels du monde de la danse.




Quand moins mène à plus


Si vous avez déjà à cœur une compagnie spécialisée dans un style particulier, vous immerger dans ce style présente des avantages évidents. Et parfois, une focalisation étroite sur une seule technique peut en fait ouvrir des portes vers des mondes plus vastes. Aujourd'hui directrice du San Francisco Ballet, Sarah Van Patten a étudié pendant plusieurs années avec le maître professeur Jacqueline Cronsberg, spécialisée dans la technique Balanchine. "C'était une petite école, et très intense", se souvient-elle. "Je travaillais tout le temps avec mon seul professeur, donc je n'ai jamais eu l'impression de me perdre dans plusieurs styles et points de vue sur les choses." Et elle n'a pas non plus trouvé le focus sur Balanchine de Cronsberg limitante. Lorsque, dès la sortie de l'école, Van Patten a rejoint RDB - une compagnie spécialisée dans la technique d'August Bournonville, des ballets centrés sur l'histoire - elle s'est sentie suffisamment préparée. «La célérité de ma formation Balanchine s'est en fait très facilement adaptée à Bournonville, en particulier en petit allégro», dit-elle.


Les enseignants de certaines des meilleures écoles de ballet de New York font écho à cet argument de la diversité par la spécificité. "Nous enseignons une technique Vaganova très stricte", explique Edward Ellison, directeur de l'Ellison Ballet, "mais ce n'est pas limitatif. Il développe une conscience aiguë de son instrument - comment il fonctionne logiquement - et il permet une liberté d'adaptation à n'importe quel style chorégraphique. Susan Pilarre, membre de longue date du corps professoral de la School of American Ballet (technique Balanchine), dit que le style de M. B est comme « une bonne petite robe noire. Il peut aller à n'importe qui. Sa preuve ? Les étudiants du SAB poursuivent fréquemment des carrières professionnelles dans des compagnie dont le style est totalement différent de Balanchine.




Les bienfaits de la variété


D'un autre côté, un apprentissage aux nombreux styles que vous devrez adopter en tant que professionnel comporte également de grands avantages. "Pour rendre une danseuse "employable", nous estimons qu'il est important qu'elle ait une formation complète", déclare Maynard. "Beaucoup de compagnies ne veulent pas de danseurs qui semblent ne pouvoir faire qu'une seule chose." À la San Francisco Ballet School, la technique est un style «américain» hybride qui comprend des parties de plusieurs méthodes, et le programme présente également aux étudiants des œuvres de chorégraphes comme Balanchine, Forsythe, Nacho Duato et Jiˇrí Kylián. "Il développe un style très propre, sans affectations", dit Maynard.


Noelani Pantastico, maintenant directrice du Pacific Northwest Ballet, admet que lorsqu'elle a rejoint la compagnie à 17 ans, elle n'avait pas beaucoup de variations de styles. "J'étais principalement formée à Balanchine à cette époque", dit-elle. "J'avais une bonne base technique, mais quand j'ai commencé à travailler avec des chorégraphes, j'ai réalisé qu'il y avait un autre monde là-bas." Pantastico a fini par suivre sa « formation » diversifiée en tant que pro : elle a quitté PNB pour travailler avec Jean-Christophe Maillot aux Ballets de Monte-Carlo, où elle a dansé des styles variés pendant sept ans avant de revenir au PNB avec un nouveau sens de la perspective. "À un certain moment, il est important d'élargir votre horizon", dit-elle. "J'aurais aimé le faire plus tôt. J'aurais été une danseuse plus forte.



Garder l'esprit ouvert


En fin de compte, la véritable clé de l'adaptabilité est l'ouverture et le courage. "En tant qu'étudiante, j'étais intrépide, et cela m'a permis d'adopter un nouveau style et de l'accompagner", déclare Van Patten. "J'ai vraiment regardé tout le monde autour de moi et j'ai pris en compte leurs forces." Et bien qu'il soit important de déterminer votre propre approche de la question technique, Van Patten insiste sur l'importance de trouver un mentor qui vous parle, quel que soit son style. «Un bon enseignant est un bon enseignant», dit-elle. «Si mon professeur avait été basé à Vaganova, je serais restée avec elle ! En fin de compte, avec le bon état d'esprit et le bon mentor, vous pouvez tout faire.”»



Source : https://dancespirit.com/the-technique-question/

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